Как проходит Cosmoscow 2025: обзор секции «Дизайн»

Booroom Gallery — первые, если инстинктивно повернуть к стендам сразу направо от эскалатора. Яркое и жизнеутверждающее начало: взгляд сразу падает на скульптурное панно в сливочно-желтом цвете португальца Руя Матуша. Тут же — плавные, как подтаявшее масло, консоль и табурет от Арианы Ахмад, вдохновленные самой природой. На консоли — миниатюрная керамика южнокорейской художницы Сунву Чжон, цветастые и даже немного наивные предметы. Оттенки множатся в зеркальной скамье Лены Соловьевой (серия «Объекты Модули»).

Каждый предмет отражает концепцию — творческий созидательный импульс как способ осмысления хаоса жизни. Авторы галереи предлагают свое видение этого «осмысления», но есть у них и общее — умение запечатлеть то, что кажется ускользающим: их объекты — это память о настоящем, момент, застывший в текстуре, форме, материале.

Команда FRESH.GLASS, которая в этом году впервые выступает на Cosmoscow в новой для себя роли FRESH.GALLERY, отгораживается от суеты стеклянной стенкой и тем самым еще больше интригует. За перегородкой — легкость, прозрачность и воздух: пространство как будто дышит. Это ощущение совпадает с идеей дизайнеров: FRESH.GALLERY приоткрывает двери в собственную мастерскую FRESH.GLASS.

На столе лежат эскизы и случайно забытый карандаш, на полках выставлены пробы и экспериментальные образцы. Кажется, совсем недавно здесь кипела работа, рождались идеи. Мягкая подсветка намекает — стекло может быть теплым, живым и удивительно разным. Полупрозрачные перегородки позволяют рассмотреть силуэты живых растений и очертания дальней части стенда. Туда можно заглянуть, а можно — достроить пространство силой воображения.

Фото: Павел Немтин

Экспозиция галереи Fifth Avenue на ярмарке Cosmoscow построена вокруг идеи диалога между поколениями дизайнеров — признанных мастеров и молодых новаторов. Стена с панно-гобеленом из металлических нитей от KRJST STUDIO делит стенд на две части. За ним (и лампами от STUDIO ThusThat) — импровизированная гостиная, где этот диалог разворачивается. Вместо мягкого дивана — архитектурное кресло дизайнера Фредерика Солу, напротив — лампа Пьера Бонфия, обладателя высшей награды Министерства культуры Франции — звания Maître d’art, а вокруг — муранское стекло ручной работы от Микелы Каттай.

Классические ценности и современные поиски тут не противопоставляются, а дополняют друг друга. Все это позволяет зрителю глубже понять эволюцию дизайна и увидеть, как прошлое и будущее соединяются в настоящем.

«Чаепитие в конце света» — лейтмотив стенда SAMPLE 2025 года. На площадке Cosmoscow галерея разворачивает меланхоличную гостиную, окутанную облаком воспоминаний поколений, технологий, артефактов и материалов. Здесь все начинается, происходит и заканчивается одновременно. Стенд строится из фрагментов. Стол на входе приглашает гостей к пиру (не горевать же, в конце концов). Керамические панно Лены Марру — как окна в мир, «иной» или «лучший». В центре — буфет Numen, именно он задает постфутуристичную вертикаль, от которой расходятся архивные и символические конструкты памяти — те же самые панно и ширма blockstudio.

За ширмой — «болотное бессознательное» Алисы Гвоздевой — картина ​​Frog. Такие же зеленые скамейки из эпоксидной смолы Ани Андросовой. Хрустальный сервиз Александры Пацаманюк отражает хрупкое свечение светильника-бутона от 11 (eleven) и дают надежду на оптимистичный исход.

Фото: Варвара Топленникова

Синий стенд WE Gallery успокаивает глаз. Цвет будто разлился с панно-коллажа Джулии Катер: фотограф наслаивает и сочетает фрагменты морского горизонта, снимки таких картин могут быть сделаны Джулией в разное время, с разных точек зрения и даже в разных местах. Округлые контуры разрезов, сделанные рукой автора, не только вступают в поэтический диалог с бесформенностью вод и неба, но и порывают с традиционной прямоугольной рамкой фотографии. Манифест многослойности и свободы.

На своеобразном побережье замер стул «Жирафа» Лины Бо Барди, бразильской модернистки-архитектора. Тут же — предметы Занини де Занине, созданные из найденных фрагментов деревьев (так бразилец дает объектам вторую жизнь и избегает вырубки бразильских лесов). Легко почувствовать себя в отпуске у моря. А вместо его капель — хрустальные камни Жаклин Терпинс.

Фото: Дмитрий Цыренщиков

Завернув за угол к новому ряду, почти оказываемся в объятиях двухметровой скульптуры-человечка Pure Love (и это он на коленях). Это первый герой Вселенной Тараса Желтышева, всего на стенде — более тридцати работ его проекта Yoomoota. Среди произведений — скульптуры, живопись, коллекционные предметы мебели и света в стиле биоморфного сюрреализма. Экспозиция становится путешествием-знакомством с ключевыми персонажами мира художника — Pillman (скульптурное олицетворение ипохондрика), Candy Lady (образ сахарной зависимости в обновленной хромированной версии), Lymphochair (стул-лимфоцит — главная клетка иммунной системы), а также новыми героями, например, инсталляцией Oilman в виде фантазийной нефтебазы из стекла и акрила, которая переосмысляет промышленный прогресс.

Так Тарас рассказывает о каждом из нас в измерениях своего мира Yoomoota. И — создает его прямо у нас на глазах: 13 и 14 сентября художник проведет арт-перформанс и в течение двух дней создаст нарды Another Kingdom — первого экземпляра новой серии, который дополнит шахматы Yoomoota.

Фото: Polina Varnerr

Галерея предлагает задуматься о невидимой силе, позволяющей нам сохранять равновесие. В интерпретации «Палат», хребет — это метафора внутренней силы и моральных принципов, которые помогают оставаться верными себе. Экспозиция объединяет именно такие объекты — отражающие идею прочности и сохранности.

Кто-то из авторов представляет свою точку опоры и силы в функциональных объектах студийного дизайна — например, в виде предмета Object Not Interrupted. Кто-то — в художественных декоративных панно (керамический сакральный триптих Натальи Макаровой и металлическая змея-чеканка от Александры Лапаевой).

Фото: Мария Барабанова

Концепция стенда «Тираж 1/1» воплощает философию галереи — тонкое переплетение стилей и эпох, гармония, основанная на контрастах и многогранных противоречиях. На площадке Cosmoscow галерея объединяет российских и зарубежных авторов. В центре внимания — классика французского модернизма: работы Пьера Жаннере и Шарлотты Перриан, произведения швейцарско-французского художника Джулиана Шарьера, а также объекты российских мастеров: Елены Хрящевой и Дарийо Кривой. Кресла Этьена-Анри Мартена дополнены выразительными скульптурами Алексея Панькина и Кати Емельяновой. Особое место на стенде занимает ширма Екатерины Рожковой: ее лиса бежит по медному полотну и задает движение по кругу стенда. 

Дебют галереи и российская премьера работ Винченцо Де Котиса. Предметы и арт-объекты наглядно показывают гостям умение дизайнера совмещать уникальные ремесленные навыки мастеров и редкие, полудрагоценные материалы — например, розовый родонит, австралийский строматолит, восстановленное стекловолокно с нанесенной вручную патиной, черный оникс, литую белую бронзу и немецкое серебро.

Функциональные произведения Де Котиса дополняют экспрессивные керамические сосуды Роджера Хермана — не вазы, а арт-объекты. В насыщенных цветах и керамических формах Херман заключает свою живописную энергетику. Границы между искусством, дизайном и ремеслом стираются.

В античном греческом языке слово metabolē означает перемену — переход из одного состояния в другое, превращение, трансформацию. Об этом — проект стенда A-House. Он объединяет художников, дизайнеров и архитекторов, работающих с материалом как с метафорой. И делают они это в малой форме: она становится полем для экспериментов и возможностью поговорить о пространстве, материи, границах тихо.

Так Lavdansky Studio представляет панно из кусочков басмы, оставшихся от иконных окладов в мастерской и четырехстворчатый комод из посеребренной латуни (образ объекта вдохновлен сирийскими отшельниками VII—VIII вв.еков, которые стремились через аскезу и внутренний опыт достичь мистического откровения). Здесь же — архитектурный диван BALANCE Полины Дицман и столик PUZZLE TABLE Мадины Царикаевой (он изготовлен из цельных слэбов итальянского мрамора без применения клеевых соединений).

Фото: Варвара Топленникова

Название галереи скрывает отсылку к «Гильдии Святого Луки», а сам стенд вдохновлен миланским дизайном. Каждый автор выступает здесь создателем, а все вместе они образуют единый алтарь поклонения дизайну.

Основную стену делят красное и синее полотна Де Рруси (DE RRUSIE), самобытный художник одержим изображением неба. На стенде GSL_GALLERY — два медитативных, но максимально контрастных его холста — сине-зеленого и красно-оранжевого оттенков. Со входа гостей встречают стальные подсвечники Saint Sulpice от Ани Глик. Они вдохновлены средневековыми религиозными атрибутами одноименной Парижской церкви и воспоминаниями о детских визитах художницы. Свой стул-тотем представляет Полина Дицман. А Елена Локастова дополняет экспозицию вазой с цветами — и растения, и сосуд выполнены из хромированного металла.

В этом году стенд 3L Gallery объединен концепцией «Сторона света». Через материалы — стекло, металл, дерево, керамику — авторы исследуют свет как физическое явление и метафору. Вдобавок к этому, свою роль сыграла география работ: дизайнеры собраны действительно «со всего света». Так экспозиция превращается в пространство тонких ощущений и созерцания, где важны не эффект и яркость, а внутренний отклик.

Скульптурная мебель Ame от бренда ZOÉ WOLKER (его основала архитектор Зоя Волкова в Лиссабоне) выполнена из полированной стали, в которых отражение света становится самостоятельным элементом пластики. В другом полюсе экспозиции — авторы, нарушающие устоявшиеся каноны формы и материала. Индийский дуэт NITUSH-AROOSH применяет технологию гидроформовки, создавая из стали визуально легкие предметы мебели. DROZHDINI создает вазы (в сотрудничестве с венецианской мастерской Wave Murano Glass) и мебель из стекла с текстурой тающего льда. Темы органики, памяти и медленного взаимодействия света с материалом раскрывает британская студия VEZZINI&CHEN. В их фарфоровых и стеклянных объектах свет преломляется и течет.

На стенде описывают концепцию как «комнату музыканта», но очевидных ассоциаций ни с виртуозом, ни с музыкой нет. Вместо одного хозяина — 39 авторов проекта. Пространство разделено на рабочую зону и зону, где можно присесть, записать новые мысли, возможно, даже симфонию.

Тем не менее встречает гостей фигура человека из акрила, стали и бетона — скульптура «АБ». Рядом — друг-компаньон, стеклянный «Скотч-терьер». Рацион у «музыканта» специфический: на это намекают керамические объекты из серии «Вкусно и» (воплощение момента простой радости жизни). Но есть место и размышлениям о вечном: скульптура «Лента Мебиуса» скромно стоит в углу, но при ближайшем рассмотрении дает понимание — точный повтор работы невозможен.

Черный стенд SPACE FOUR гипнотизирует загадочным морским горизонтом и музыкой, которая ненавязчиво звучит на фоне. Картина — работа Дани Акулина. В своих монохромных полотнах он исследует тихую силу пейзажной графики, момент «безвременной тишины».

Здесь же представлены предметы коллекционного дизайна от Татьяны Алениной, Владимира Красильникова и Владимира Чувашева вместе с работами современных художников. Концепция стенда посвящена понятиям времени и памяти. Отталкиваясь от этого дизайнеры создают ширму из стали и керамики, чугунный журнальный стол, стальные светильники-идолы. Все это — переосмысление ремесленнического дела и вечных природных форм.

Стенд HOMEART x ADH Gallery посвящен теме космоса и конкретно такому явлению, как Дельта Аквариды, метеоритному потоку, который наблюдается каждый год с середины августа до середины сентября. Главным автором экспозиции стал британец Джулиан Майор. Дизайнер работает с металлом и вручную, при помощи сварки, создает футуристичные предметы — стулья и табуреты, а также настенные панно.

На контрасте с ним выступают «земные» и «земляные» картины Яна Тихоненко. В этих своих работах художник использует не только натуральные пигменты, но и саму землю. Другая серия Тихоненко — яркая коллекция настенных объектов, выполненная из материала, похожего на эпоксидную смолу, и отдаленно напоминающая тот самый метеоритный дождь.

В центре экспозиции галереи Heritage — идея синтеза: дизайн XX века встречается с актуальным искусством, каждое произведение находит отражение в другом. Так в комоде Portici Сергея Храбровского (предмет вдохновлен Нотр-Дам де Пари) и в живописи Сергея Шаршуна прослеживается работа с похожими формами, а бело-синее панно-мозаика Gourji Studio, созданное специально для ярмарки, визуально сочетается с фарфоровыми синими цветами Анны Волковой.

Сет стульев «Африка» Афры и Тобиа Скарпа, столики «Эрос» Анжело Манджаротти выходят за пределы утилитарной функции: в их скульптурной выразительности читаются отсылки к минимализму, архитектуре и философии итальянского модернизма. Работы Алексея Морозова вносят в экспозицию живописную многослойность и глубину. Так становится ясно: винтаж и современность здесь не противопоставлены, а соединены формами, образами и просто цветами. И все это живет. Даже винтажный бар по дизайну Вилли Риззо в день превью работал по своему назначению.

Стенд ULM становится естественным продолжением и развитием экспозиции 2024 года. Центральная композиция стенда — полукресло из дуба и стол из розового травертина Lavdansky Studio. За ними — алтарная складная ширма Анны Лапшиновой, пластика которой повторяет изгиб спинки кресла и линию стола.

Мягко драпирующийся потолочный светильник Анны Лапшиновой поддерживает идею обволакивающего «кокона», в котором можно укрыться. Инсталляция скульптурных объектов Алены Троицкой из парафина и кирпичной пыли отсылает к образу книжкой полки, а сами скульптуры хранят в себе следы стен старого дома в Тульской области. Хрустальные сосуды Александры Пацаманюк скрывают сказочных персонажей серии «Цукумогами» (их Александра придумала и создала специально для стенда). Здесь же — уже знакомые нам безмолвные столпы экспозиции «Исихия» Lavdansky Studio и художницы Маши Колосовской. Так что, если в прошлом году галерея обращалась к теме экстерьера, а именно — японского сада, то в 2025 году ULM смотрит уже в пространство интерьера, внутрь.